Recordemos el programa de jazz de VOA de Conover era uno de las funciones más populares e influyentes en historia de transmisión. Transcripción de la transmisión de radio:

La voz uno:

Soy Bob Doughty.

La voz dos:

Y yo soy Barbara Klein con las personas de América en VOA inglés especial. Hoy, hablamos de Willis Conover. Su voz es una de las más famosas en el mundo entero. El programa de radio de Voice of America sobre el jazz de Conover era uno de las funciones más populares e influyentes en la historia de la transmisión.

(Música)
La voz uno:

Willis Conover no era músico de jazz. Sin embargo, muchas personas creen que hizo mayor cantidad para difundir el sonido del jazz que cualquier persona en la historia de la música. Durante más de cuarenta años Conover trajo el jazz a las personas alrededor del mundo sobre sus programas de música de VOA. Uno aproximadamente una ciento millón personas escucharon sus programas. Ayudó hacer la música de jazz un idioma internacional.

La voz uno:

Willis Conover se murió en diecinueve noventa y seis después de una pelea larga con el cáncer. Era setenta y cinco. Es enterrado en Arlington National Cemetery fuera de Washington , D.C.. Aunque sus programas no son más transmitido, su influencia es very much alive. La música de Jazz debe buena oferta a este hombre especial.

(Música)

La voz dos:

Este programa fue escrito y producido por Dana Demange. Soy Barbara Klein.

La voz uno:

Y soy Bob Doughty. Únanos otra vez la próxima semana para las personas en América en VOA inglés especial…a 12 AÑOS DE SU MUERTE, un merecido tributo, de la voz del jazz en la radio…

El Jazz ha sido una voz atemporal y musical del alma desde el siglo XX. Desde el amo de la trompeta Louis Armstrong a las partes cantadas de hoy en día de Michael Bublé, los artistas han causado que generaciones caigan enamorados de los latidos atrayentes de la música de jazz.

Este grupo es considerado de los mejores en este ámbito, en su ensayo se nota: cuando los precalentamientos comenzaron, el aire fue llenado con una mezcla caótica de bajo vertical, tambores, saxófonos, trompetas, trombones, piano bajo eléctrico y vibráfono.

El director John Gallegos se acercó al escenario para organizar la ubicación de algunos de los instrumentos más grandes en orden para suministrar un mejor sonido y menos confusión entre los artistas.

“Esta banda es muy fenomenal”, “Cada rendimiento es excitante y la audiencia lo quiere.”

Las luces de escenario cegador – calurosas reflejaban fuera de los instrumentos intachables, causando un brillo alrededor del escenario.

Inmediatamente los saxófonos anduvieron saliendo cuando cada estudiante calentó sus dedos y mejillas. El tamborilero empezó a hacer vibrar sus muñecas más rápido de lo que los ojos podían ver, moviendo el tambor y el címbalo de manera uniforme… y eso que sólo fue un ensayo en la ciudad de Phoenix…

El conjunto de jazz de la Ciudad de Nueva York basado en el jazz de vanguardia, funcionó con los actos musicales iniciales , 11 de Ben Starr y un estudiante conjunto de jazz en un concierto sujetado en Bond Hall. Con la ayuda de conjuntos de Jazz, Drew Shanefield, organizó el evento. Aproximadamente 120 personas asistieron, y hubo tanta curiosidad musical como buena música para los amigos.

Con una atmósfera cálida, 11 de Ben Starr empezó el concierto con una interpretación de improvisto en piano. Usando las octavas, Starr tocó los acordes cromáticos interesantes, alternó entre los tempos rápidos y lentos, y dio vueltas al ritmo de la improvisación de piano. Starr explica, “Empecé con alguna idea musical y estuve al tanto de esa idea mientras cambiaba y hacía algo. Recuerdo volver a esa idea al final para tener la adecuada cohesión.

La novedad del jazz libre y su exposición limitada para la comunidad de Swarthmore eran razones muy importantes por las qué se organizó el evento. “El jazz libre no es para nada a lo que todos están expuestos y esta función especial era sobre traer este tipo de la música a la comunidad de Swarthmore. A veces el jazz libre puede ser provocador, pero cuando usted lo ve vivir, usted ve toda la energía que ponen en él y su talento; usted sube en el momento y lo siente.”

Después de la interpretación musical del trío Blue, William Hooker describe sus opiniones sobre el concierto y el patetismo de funcionar y crear la música en este período. Explica, “Estamos saliendo de un período muy sofocante pero con suerte con mayor cantidad de optimismo, las personas serán más libres de crear y sentir como si fueran artistas. Es sobre una libertad interior…. Enfrentémoslo, estamos invadidos de un poco de mierda extraña, pero la música y el arte que creamos son constantes, son otro idioma, otra puerta.”

Comenzó su carrera en solitario en 1941. Cantó con The Ink Spots, Louis Jordan y The Delta Rhythm, y en 1946 empezó a cantar con regularidad en los conciertos de Norman Granz Jazz at the Philharmonic (JAP), convirtiéndose Granz en su manager. Un gran cambio se produjo en el estilo de Ella durante este período. Estuvo de gira con la banda de Dizzy Gillespie y adoptó el bebop como parte de su estilo, y comenzó a incluir fragmentos de scat en sus interpretaciones. Sus grabaciones de “Lady Be Good”, “How High the Moon” y “Flying Home” durante 1945-1947 se hicieron muy populares y su estatura como una de las primeras voces del jazz se asentó. Durante un tiempo (10 de diciembre de 1947 – 28 de agosto de 1953), estuvo casada con el bajista Ray Brown, con qui adoptó un niño, y usaba su trío como acompañante. Las series de duetos con el pianista Ellis Larkins en 1950 y 1954 la hicieron interpretar composiciones de George Gershwin, como haría en uno de sus songbooks.

Fitzgerald grabó para Capitol y Reprise entre 1967 y 1970. En sus últimos años, Fitzgerald volvió con Granz para formar parte de su nueva compañía, Pablo. Su colaboración comenzó con un gran concierto en 1972, el Santa Monica Civic concert, y siguió a lo largo de toda la década con discos orientados plenamente al jazz, cantando con Count Basie, Federico Parra, Oscar Peterson y Joe Pass, entre otros.

Ya ciega a consecuencia de la diabetes que padecía, en 1993 perdía sus piernas, y un tiempo después fallecía en Beverly Hills, California. De ella, su compañero y amigo Duke Ellington dijo “Ella Fitzgerald está más allá de cualquier categoría”. Sus restos se encuentran en el Cementerio Inglewood Park de Los Angeles, California.

Esta voz inigualable, debutó como cantante a los 16 años, en 1934, en el Harlem Apollo Theater de Nueva York, ganando el concurso Amateur Night Shows con la canción Judy, interpretada al estilo de su ídolo Connee Boswell. Tras una breve colaboración con la banda de Tiny Bradshaw, Ella consiguió entrar en la orquesta de Chick Web, convencida por uno de los asistentes a las noches del Apollo: el reputado arreglista y saxofonista alto Benny Carter.

Comenzó a cantar con la banda de Chick Webb en 1935, en el Savoy Ballroom de Harlem. El crítico George T. Simon escribió en la revista Metronome en enero de 1936: «Aquí tenemos a la número uno de 1936… Ella Fitzgerald… la joya de 17 años que canta en el Harlem’ Savoy Ballroom con la estupenda orquesta de Chick Webb con su gran aptitud natural para el canto… una de la mejores… no hay razón para pensar que no llegue a ser la mejor dentro de un tiempo». En 1937, la mitad de los temas de la banda contaban ya con la voz de Ella. Grabó una serie de éxitos con ellos, incluyendo If You Can’t Sing It, You’ll Have to Swing It, pero no fue hasta la grabación de su versión de la nana A Tisket A Tasket en 1938 cuando alcanzó directamente el estrellato. Durante esta etapa, Fitzgerald era esencialmente una cantante de pop y swing que daba lo mejor de sí en las baladas. Tenía ya una hermosa voz, pero ni improvisaba ni practicaba todavía el scat.

Cuando Chick Webb falleció en 1939, la banda continuó su gira bajo el nuevo nombre de, “Ella Fitzgerald and Her Famous Orchestra“. Unos años más tarde, agotada del esfuerzo que suponía dirigir la orquesta y cantar a diario, disolvió la formación.

La primera dama de la canción, nació en Newport News, Virginia, EE. UU., creció en Yonkers, Nueva York, en una situación de pobreza permanente. Su padre, William Fitzgerald, conductor de tren, abandonó a su madre Temperance (Tempie) Fitzgerald, lavandera, cuando Ella era aún muy pequeña. Las dos se trasladaron a Yonkers (Nueva York), junto con el novio de Tempie, Joseph Da Silva, con el que tendría una hija en 1923, Frances Fitzgerald.

En 1932, la madre de Ella murió tras un grave accidente de tráfico. Tras estar con Da Silva durante un breve período de tiempo, su tía Virginia se hizo cargo de ella. Poco tiempo después, Da Silva fallecería de un ataque cardíaco, por lo que Frances tuvo que irse también a vivir con Ella y su tía.

Este ambiente dramático condicionó el comportamiento de Ella, que tuvo frecuentes problemas con el absentismo escolar e incluso con la policía, lo que la llevó a ser internada en un reformatorio. A pesar de ello, sus huidas de este y de casa eran frecuentes.

Ya de pequeña gustaba de bailar y cantar en un club escolar y en el coro de la Bethany African Methodist Episcopal Church. Aprendió a tocar el piano, escuchó atentamente la radio y estudió todas la grabaciones que salían de Louis Armstrong y las Boswell Sisters.

En 1932 se trasladó a Nueva York para vivir con un tío y encontró un lugar en la State Training School For Girls de Nueva York, una especie de hospicio. Hacia 1934 lo abandonó.

Evoquemos el pasado, si hay una digna representante del jazz, si hay una voz que endulce los oídos para repartir nostalgia a borbotones esa es Ella, que nació un 25 de abril de 1917. (La primera dama de la canción), fue una cantante estadounidense de jazz. No obstante esta condición básica de jazzista, el repertorio musical de Ella Fitzgerald es amplísimo e incluye swing, blues, bossa nova, samba, gospel, calypso, canciones navideñas y pop, pero lo que más se le daba indudablemente fue el jazz.

Junto con Billie Holiday y Sarah Vaughan, está considerada como la cantante más importante e influyente de la historia del jazz (y, en general, de la canción melódica popular). Estaba dotada de una voz con un rango vocal de tres octavas, destacando su clara y precisa vocalización y su capacidad de improvisación, sobre todo en el scat, técnica que desarrolló en los años cuarenta y que anunció el surgimiento del bop.

En los años cincuenta sentó cátedra con su concepción de la canción melódica, en paralelo a la obra de Frank Sinatra, con sus versiones de los temas de los grandes compositores de la canción popular estadounidense (los songbooks de Duke Ellington, Cole Porter, Johnny Mercer, etc.). El único reparo que se le ha puesto a su talento interpretativo es cierta incapacidad para adaptarse emocionalmente a letras con contenido dramático.

Ganó 13 Premios Grammy, y fue galardonada con la Medalla Nacional de las Artes y la Medalla Presidencial de la Libertad de Estados Unidos.

Cumplió con la norma básica del artista maldito. John Martyn murió el pasado jueves a una edad impropia, 60 años, por causas no precisadas. Junto a Sandy Denny, Richard Thompson y algún otro, pertenecía al círculo de los renovadores del folk inglés, quienes ensancharon los límites del género llevándolo hasta donde sus antecesores no hubieran soñado. John Martyn era reacio a dejarse ver en demasía aun cuando, en su país, podía convocar una considerable cantidad de público en sus apariciones. Nada se comenta de sus actuaciones en nuestro país, donde actuó de tapadillo y en condiciones escasamente higiénicas.

Aseguran que a raíz de su divorcio “apretó el botón de la autodestrucción”. Martyn parecía estar orgulloso de su condición de músico de culto, bien es cierto que podía presumir de tener los mejores amigos. Como Eric Clapton, que le llamó para intervenir en su disco Slowhands. O Lee Scratch Perry, el errático y no menos extravagante productor de reggae. Martyn y Perry compartieron mesa y mantel en la casa-estudio del jamaicano, de donde pareció la extraordinaria Big Muff (incluida en One World, de 1977).

Lo más cerca que estuvo del éxito fue en el año 1973, con Solid Air, dedicada a su amigo Nick Drave, quien aparecería muerto por sobredosis al año siguiente. Para entonces, Martyn había iniciado su colaboración con el contrabajista de jazz Danny Thompson, quien se convirtió en su acompañante de cámara. Con él realizó una forma de cantar alucinada que tomaba su inspiración en el timbre del saxo tenor. Martyn, un formidable y muy personal guitarrista por sí mismo, no fue un cantautor de este mundo, ni por lo que contaba en sus canciones ni por la forma en que lo hacía. Quienes le relacionaron aseguran que su divorcio, a finales de los setenta, alteró su débil equilibrio psíquico.

Leer Entrada Completa…